The Manhattan Transfer

Se formó en Nueva York en 1972 cuando Tim Hauser conoció a Laurel Massé durante un viaje en taxi y ambos descubrieron su afinidad por el mismo tipo de música. Posteriormente Laurel también se encontró con Janis Siegel, en ese momento cantante en un grupo folk, y la convenció de sumarse al proyecto. Finalmente la formación inicial se completó con Alan Paul, galán y cantante en Broadway, Nueva York, el 1 de octubre de 1972, la que se considera como fecha de fundación del grupo.

Al principio actuaban en clubes de jazz neoyorquinos y dada la buena acogida del público, grabaron su disco presentación The Manhattan Transfer en 1975.
Posteriormente les siguieron los discos Coming Out y Pastiche, de buen éxito en la Unión Americana, pero que fueron aún mejor recibidos en Europa.
En 1978 Laurel Massé sufrió un grave accidente automovilístico que estuvo a punto de costarle la vida, pero la dejó en convalecencia durante dos años y la obligó a alejarse de la banda. Más adelante retomaría la música como solista, siendo reemplazada por Cheryl Bentyne. Esta formación (Hauser, Siegel, Paul y Bentyne) se ha mantenido inalterada desde entonces. Al poco tiempo de la salida de Laurel Massé de The Manhattan Transfer, se editó el disco en vivo The Manhattan Transfer Live', que fue seguido por el disco en estudio Extensions en el cual aparece Birdland, una de sus interpretaciones más conocidas. Posteriormente vendría el reconocimiento de la industria con varios premios Grammy, el primero de los cuales fue recibido en 1980 por Mecca for Moderns, y luego también por su trabajo de 1982 Route 66

Aunque The Manhattan Transfer ya era un grupo reconocido en su ambiente por sus colegas y la crítica, faltaba aún su definitiva consagración, que llegaría en 1985 con Vocalese, donde interpretaban los clásicos del jazz con letras aportadas por Jon Hendricks, quien era considerado el genio que ponía letras al jazz. El tema que titulaba el disco fue nominado para 12 premios, situación sólo superada en la historia de los Grammy por Thriller de Michael Jackson.

Nunca.

La primera vez que escuché esta maravilla de armonías arropada por un bajo obsesionante y extremadamente bello en su sencillez fue haciendo novillos una mañana en teoría de colegio. Echando una partida de billar con un compinche, que lo fue desde el parvulario hasta casi caer la tercera decena de años en nuestro casillero. Luego, las obligaciones nos fueron alejando y hasta hoy... ¿qué habrá sido de ti?

Pero a lo que iba, según empezó a sonar en la gramola, los dos apoyamos los tacos en el suelo, ladeamos la cabeza y nos quedamos como de piedra escuchando, totalmente atrapados por sus notas. Desde ese primer momento, y hasta ahora mismo, me resultó imposible sacarla de mi cabeza. Es uno de mis grandes mitos, un tema que me ha acompañado siempre.

Por otra parte la letra de esta canción, que una vez más conocí mucho después, se sale de lo habitual  y creo que se aleja de la cursilería más allá de lo que pueda suponer, para algunos, el confesar tu amor hacia una persona.

De hecho, ¿qué otra cosa más apropiada que esta para responder, si alguna vez “alguien” me/te/le planteara esas dudas expresadas en los versos?

Never my love (The Association) - 1967

Me preguntas si llegará el momento

en que me haya cansado de ti.

Nunca mi amor.

Nunca mi amor.

Te preguntas si mi corazón

llegará a dejar de desearte.

Nunca mi amor.

Nunca mi amor.

¿Cómo puedes pensar que mi amor terminará

si sabes que mi vida depende de ti?

De ti.

Nunca mi amor.

Nunca mi amor.

Dices que temes que yo cambie

y deje de buscarte.

Nunca mi amor.

Nunca mi amor.

¿Como puedes pensar que mi amor pueda acabar

conociendo mis súplicas de que te quedes para siempre conmigo.

Conmigo.

Conmigo...

The Smashing Pumpkins

Mellon Collie and the Infinite Sadness
Mellon Collie and the Infinite Sadness es el tercer álbum de estudio de la banda de rock alternativo estadounidense The Smashing Pumpkins, lanzado el 24 de octubre de 1995 por medio de la compañía discográfica Virgin Records. El álbum de veintiocho pistas se lanzó en formatos CD doble y triple vinilo y fue producido por el líder de la banda Billy Corgan junto a Flood y Alan Moulder. El álbum contiene una gran diversidad de estilos, además de incorporar más peso musical por parte de la bajista D'arcy Wretzky y el segundo guitarrista James Iha que los trabajos previos.
Precedido del sencillo "Bullet with Butterfly Wings", el álbum debutó en el número uno de la lista del Billboard 200,  siendo la primera y última vez que lo consiguiera la banda. Se extrajeron cuatro sencillos más -"1979"; "Zero"; "Tonight, Tonight"; y "Thirty-Three" — a lo largo de 1996 y ha sido certificado nueve veces platino por la RIAA.
Mellon Collie and the Infinite Sadness recibió buenas críticas por su ambición y alcance, y recibió siete nominaciones a los Premios Grammy en 1997. En 1998 fue votado por los lectores de la revista Q como el vigésimo noveno álbum más importante de todos los tiempos. En 2003, la revista Rolling Stone lo posicionó en el puesto número 487 en la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos y la revista Time lo nombró como el "Mejor álbum de 1995".


Es un álbum conceptual suelto, con la intención de que las canciones se unan de forma conceptual como símbolo del ciclo de la vida y la muerte. Billy Corgan dijo que el álbum está basado en "la condición humana de la pena mortal". La naturaleza expansiva del álbum hace que se utilicen varios estilos distintos en sus canciones, contrastando con lo que algunos críticos describieron como "un sabor dimensional" de los dos álbumes previos. Se utiliza una variedad mucho más amplia de instrumentación, como piano, sintetizadores y loops de batería, una orquesta e incluso saleros y tijeras.

CD1- Down to Dusk
01. Mellon Collie And The Infinite Sadness
02. Tonight, Tonight
03. Jellybelly
04. Zero
05. Here Is No Why
06. Bullet With Butterfly Wings
07. To Forgive
08. Fuck You (An Ode To No One)
09. Love
10. Cupid De Locke
11. Galapogos
12. Muzzle
13. Porcelina Of The Vast Oceans
14. Take Me Down


CD2- Twilight to Starlight
01. Where Boys Fear To Tread
02. Bodies
03. Thirty-Three
04. In The Arms Of Sleep
05. 1979
06. Tales Of A Scorched Earth
07. Thru The Eyes Of Ruby
08. Stumbleine
09. X.Y.U
10. We Only Come Out At Night
11. Beautiful
12. Lily (My One And Only)
13. By Starlight
14. Farewell And Goodnight

 

Klaus Nomi

Klaus Nomi

"Nomi fue el primero en combinar con buen gusto
la música pop y la opera, entendiendo y conociendo
los dos estilos y haciéndolos trabajar juntos.
Llevó a su voz a lugares y gente donde nada parecido
había sonado antes"
Ira Siff

Klaus Sperber, conocido artísticamente como Klaus Nomi, fue un contratenor de origen alemán. Ha sido vastamente reconocido por sus únicas e inusuales interpretaciones vocales y por fusionar la ópera con el rock y el pop. También es recordado por sus extravagantes actuaciones teatrales, su maquillaje recargado, su vestuario futurista y su peinado único y estilizado que exageraba las entradas de su cabello. Especialmente buscaba dar la imagen de que era un extraterrestre que cayó de una galaxia más glamorosa para cantar a través de su condición de falsetto. Sus composiciones musicales eran singulares y abarcaban desde interpretaciones en sintetizador de la ópera clásica hasta varias versiones de canciones de pop como «El Twist» de Chubby Checker y «Lightning Strikes» de Lou Christie.

Tuvo una corta trayectoria musical la cual concluyó con su fallecimiento el 6 de agosto de 1983 a consecuencia del sida, convirtiéndose en uno de los primeros famosos en morir a causa de la enfermedad, en una época en donde se creía que era la plaga de la comunidad gay y se conocía muy poca información sobre esta. Nomi murió a los 39 años, abandonado durante sus últimos días de vida por la mayoría de sus amistades cercanas y asociados. Sus cenizas fueron esparcidas en Nueva York, de acuerdo a su expreso deseo. Joey Arias relató los últimos días de Nomi:
"Los doctores me obligaron a utilizar un traje de plástico cuando lo visité. Tenía prohibido toparle. Después de unas pocas semanas parecía haber mejorado. Tenía la fortaleza para caminar. Entonces abandonó el hospital y se fue a su casa. Su mánager le hizo firmar todos los papeles, como que si su vida valiera quinientos dólares. Desarrolló kaposis (un tipo de lesión asociada con el sarcoma de kaposi, que es una forma extraña de cáncer de piel relacionada con el sida), y empezó a tomar interferón. Eso le afectó terriblemente. Tenía marcas en todo su cuerpo y sus ojos tenían hendiduras púrpuras. Era como si alguien lo estuviera destruyendo. Solía hacer gracia de eso y decía, ‘ahora llámenme el Nomi de puntos’. Después realmente se debilitó y lo llevamos de urgencia al hospital. No podía ingerir alimentos por días porque tenía cáncer estomacal. Luego le brotó herpes por todo su cuerpo. Se convirtió en un monstruo. Me dolía tanto verlo. Hablé con él la noche del 5 de agosto y me dijo, ‘¿Joey y ahora qué hago? Ya no me quieren más en el hospital. Ya me desconectaron de todas las máquinas. Tengo que parar todo esto porque no estoy mejorando’. Tuve un sueño de que Klaus se mejoraba y cantaba nuevamente, sólo que esta vez un poco deformado, así que ahora tenía que estar detrás de una pantalla o algo. Le dije, ‘Ahora tú serás el fantasma de la ópera’. Haremos presentaciones juntos y me respondió, ‘Sí, posiblemente’. Pero Klaus murió esa noche mientras dormía."

Durante una retrospectiva de su obra, que se realizó en París después de su muerte, una multitud de “fans enloquecidos” entraron al recinto de exposición y se llevaron todos los recuerdos que se exponían en el museo, dejando únicamente en el espacio blanco y vació, cual mausoleo, el sonido de la voz de Klaus Nomi que continuaba cantando: Let me, let me, Freeze again to death!

The Mighty Mighty Bosstones

 

 

 

 

 

 

 

The Mighty Mighty Bosstones

The Mighty Mighty Bosstones (informalmente conocida como Los Bosstones) son originarios de Boston, Massachusetts. Desde el inicio de la banda, el vocalista Dicky Barrett, el bajista Joe Gittleman, el saxofonista tenor Tim "Johnny Vegas" Burton y Ben Carr se han mantenido como los miembros constantes. La formación actual incluye también al batería Joe Sirois, el saxofonista Kevin Lenear, el guitarrista Lawrence Katz y el trombonista Chris Rhodes.

A Los Bosstones se les acredita como uno de los progenitores del género de ska punk y los creadores de su sub-género, el ska-core, una forma de música que mezcla elementos de ska con el punk rock y hardcore. Desde el lanzamiento de su disco debut, Devil's Night Out, en 1989 la banda estuvo de gira y grabó extensivamente a través de la década de 1990, convirtiéndose en una figura clave en el desarrollo de la llamada tercera ola del ska y una de las primeras bandas en popularizar el género, alcanzando su auge comercial con su disco de platino álbum de 1997, Let's Face It, y su éxito "The Impression That I Get". La banda había lanzado siete álbumes de estudio, EPs y un álbum de tres en vivo en el momento en que anunciaron una pausa en diciembre de 2003.

En el otoño de 2007, Los Bosstones se reunieron para reanudar las giras y las grabaciones. Su octavo álbum de estudio, Pin Points and Gin Joints, fue lanzado en diciembre de 2009 seguido de The Magic of Youth, en 2011, como su más reciente disco.

 

 

El paso del Rubicón

Nunca he olvidado que un profesor del colegio nos dijo en una ocasión que Carlos I comentando acerca de los idiomas que hablaba expuso que creía que su construcción les hacía especialmente adecuados para ciertos fines y de esa forma los utilizaba:

El inglés era el idioma que utilizaba para hablar con los animales, aves y caballos en especial. (Ciertamente en aquella época no existía el Rock).

El francés era el idioma para el amor. (Y ahí sigue, ¿"n'est-il pas ma cherie"?).

El español era el adecuado para hablar con Dios (Y realmente creo que, en Europa al menos, no existe un pueblo tan místico como el mío en el que hasta los ateos declarados y lo "rojos" más comecuras tienen una vena espiritual enorme e inevitable).

El alemán, era el idioma adecuado para la guerra. Y así hasta hoy después de tres guerras europeas, incluyo la franco-prusiana de 1870. La primera la ganaron y las dos siguientes tuvo que unirse el planeta y convertirlas en mundiales para derrotarles. (¿El idioma da el caracter o el caracter el idioma?).

Sí, el alemán con sus fuertes sonidos que hace parecer que esten permanentemente enfadados (Hasta el "ich lieben dich" suena demasiado fuerte a nuestros oidos) hizo que declinaran cantar. Fueron los más grandes músicos de Europa pero utilizando pianos, violines, flautas u órganos. La boca era mejor que estuviera cerrada pues el alemán solo puede resultar dulce a los alemanes… Supongo.

Y que nadie vea eso como una crítica pues siempre le he tenido gran simpatía a ese país. Incluso tengo algunos ascendientes alemanes.

Con el Rock pasó lo mismo. La única intérprete que localizo en mi memoria es Katja Ebstein, que les representó dos veces en Eurovisión, ¿1970/1971?, aunque para ser exactos recuerdo más que su voz unas kilométricas y preciosas piernas saliendo de una minifalda.

En definitiva, lo único que he retenido en alemán del Rock es a Los Beatles cantando Sie Liebt Dich y Komm Gib Mir Deine Hand, es decir She loves you y I want to hold your hand traducidas para alegrar a sus viejos fans de Hamburgo.

Por eso sus dos únicas aportaciones con cierto éxito, que alguien me corrija si me equivoco, llegaron cuando la música vanguardista electrónica estuvo en auge durante los setenta. Quizá sea desconocimiento por mi parte pero tan solo recuerdo “cantando” a Floh de Cologne, un grupo que se puso de moda entre algunos sectores progres por sus temas políticos pero que, sinceramente, era dificil de escuchar.

Ayer DTG me hizo viajar en el tiempo al escuchar la palabra Kraftwerk y yo hoy correspondo con sus rivales que eran los que yo prefería, es decir Tangerine Dream. Tanto era así que tengo creo toda su discografía de la primera formación, es decir hasta 1977.

Prácticamente olvidan los instrumentos convencionales y a base de teclados electrónicos y sintetizadores crean una atmósfera etérea y maravillosa, similar supongo a la que sentirían los astronautas si no tuvieran otras preocupaciones.

Me veo en 1976 dejando en la calle los miedos, frustraciones y luchas por la democracia en aquella España. Sentándome, tras la cena, en el sofá en casa de mis padres tras colocar en el giradiscos este vinilo que cuelgo a continuación para relajarme y fumar un “bisonte” tras otro, con los ojos cerrados volando hacia las estrellas. No en vano, en aquella época, los españolitos estábamos cruzando también un Rubicón camino de la libertad.

 

Rubycon (Tangerine Dream) – 1975

 

Parte I

Parte II

Kraftwerk

Kraftwerk

'Central Energética', es un grupo musical vanguardista alemán decisivo para el desarrollo de la música electrónica. Formado originalmente por Ralf Hütter y Florian Schneider en 1970, adquirieron fama tras la incorporación de Wolfgang Flür y Karl Bartos.

Las técnicas musicales y los instrumentos introducidos por ellos son hoy básicos, sin embargo, fueron realmente innovadores en su tiempo. Por las experimentaciones realizadas y por constituir la base sobre la que luego se asentó el género, son considerados como los padres de la música electrónica, ya que fueron los primeros en tocar música basada íntegramente en la utilización de instrumentos electrónicos. Adoptaron un estilo original, no restringido a la experimentación sónica.

Como la idea era convertirse en una emisora radiofónica de mensajes sencillos, que todo el mundo comprendiera, sus letras se enmarcan en la vida urbana y la tecnología europeas del siglo XX: viajes en coche, tren, ordenadores personales, teléfonos, etc. Su sencillez expresa una ambigüedad compleja y controvertida. Coherentes con su nombre, celebran el progreso industrial y las modernas morales e inventos con una ingenuidad consciente de las consecuencias.
Según sus palabras, los artistas alemanes de su generación debían progresar desde el punto muerto en el que quedó Alemania en 1933.
A partir de Radio-Activity empezaron a publicar dos versiones distintas de cada álbum: una en alemán y otra en inglés para el mercado internacional. Además, también usaron otros idiomas, como el francés (Tour de France) o en español (Objeto sexual). En muchas canciones alternan frases multilingües, desde Die Roboter del álbum Die Mensch Maschine, las frases en ruso "Ya tvoi sluga, ya tvoi rabotnik" intercaladas con el alemán. Su álbum Electric Cafe (1986) mezcla los idiomas alemán, francés, inglés y español.